BASQUIAT X WARHOL. À QUATRE MAINS

Qui a eu cette idée de réunir, et de faire travailler ensemble, deux des plus importants peintres de la scène américaine des années 80 ? C’est le galeriste suisse Bruno Bischofberger, dans une démarche autant artistique que marketing. Bruno Bischofberger, ce marchand zurichois, est un personnage hors norme, en 1963, à tout juste 23 ans, il ouvre sa galerie à Zurich. Deux ans après, à l’affût de l’art qui se fait, il organise dans sa galerie zurichoise une exposition de pop artistes américains réunissant Andy Warhol (1928-1987), Jasper Johns, Tom Wesselmann, Claes Oldenburg et Robert Rauschenberg ! La crème du pop art ! Trois ans plus tard, à tout juste 25 ans, il prend Warhol sous contrat avec un « premier droit d’achat » sur ses œuvres à venir, un contrat qui tiendra jusqu’à la disparition de Warhol ! Bischofberger l’impose en Europe et se fait, dans la foulée, le chantre de ce mouvement qui signe l’époque.
Une vingtaine d’années plus tard, toujours à l’affût de l’art « en train de se faire » comme Seuphor qualifiait l’avant-garde, Bruno Bischofberger visite l’atelier d’un jeune peintre dont le nom circule dans le milieu des avant-gardes : Jean-Michel Basquiat (1960-1988) dont le pseudonyme – SAMO – fleurissait en graffiti sur les murs downtown de New York, accompagné souvent de phrases aussi étranges que philosophiques ainsi que sur de petits dessins qu’il vendait dans la rue. Bischofberger, qui avait visité l’une des toutes premières expositions de Basquiat dans une galerie new-yorkaise comprend de suite l’importance de ce jeunot. Un choc. En mai 1982, il devient son représentant exclusif et le 4 octobre suivant il le présente à Andy Warhol.

« Basquiat jouait enfin dans la cour des grands »

Alors faut-il y voir simplement la volonté d’un marchand ? Une bataille d’ego du « petit nouveau » se mesurant à l’icône Warhol installée ? Une forme de respect de Basquiat pour Warhol ou simplement une belle amitié ? Keith Haring, l’autre grande figure de l’époque, y voyait lui une simple « conversation ». Suzanne Pagé, directrice artistique de la Fondation, y voit, elle, une collaboration « dans le respect, mais non sans compétition, dans la liberté et l’insolence, les voix de chacun restent audibles. Elles donnent le meilleur, selon Warhol lui-même, quand elles se confondent pour dire le monde sur un mode percutant à la mesure de l’impact que celui-ci aura eu sur les deux artistes. ».  Quoi qu’il en soit, cette proposition tombe à pic pour un Basquiat en recherche de notoriété. Lors d’un dîner, scellant la proposition de Bischofberger et réunissant Basquiat, Warhol, Clemente et la photographe et rédactrice en chef de Interview Magazine Paige Powell, cette dernière écrit : « Le dîner au Barbetta a été surtout un moment décisif pour Jean-Michel. Je voyais et je sentais son exaltation : il était arrivé, il jouait désormais dans la cour des grands. »
Cette proposition de collaboration avec celui qui était considéré comme l’un des artistes les plus importants de sa génération, lui servirait d’assise pour son art et de pouvoir diffuser son message politico-social sur la place des Afro-américains dans une société toujours très hantée par la ségrégation et sur la non-représentation des noirs dans l’art. L’occasion aussi de consacrer certaines de ses idoles comme Charlie Parker, Mohammed Ali, Duke Ellington, Sugar Ray Robinson, Jesse Owens ou Toussaint L’Ouverture.

entre eux. Un drôle d’attelage qui va donner ces œuvres dans lesquelles il est parfois difficile de trouver des ponts entre elles comme traces d’une véritable fusion. Cette caractéristique est prédominante dans ce travail à plusieurs mains. Chacun semble travailler sans faire cause du travail des autres… même si, en étudiant plus avant leurs œuvres, on pourrait – peut-être – y trouver des interrogations ou des réponses en un dialogue, voire une complicité. Seul Basquiat, peut-être, se joue parfois et plastiquement, du travail de Warhol par des ajouts complémentaires comme dans Hellman’s Mayonnaise (1984-85) ou Eggs (1985) voire à phagocyter complètement le travail de Warhol, que l’on a des difficultés à percevoir dans African Masks (vers 1984) entièrement recouvert par l’apport de Basquiat.
On assiste alors à une sorte de « cadavre exquis » dans lesquels on reconnaît avec facilité l’empreinte de chacun, tant leur art propre est différent (ce qui n’était pas le cas par exemple de Braque et Picasso dans leurs œuvres cubistes), d’autant plus que ces œuvres ne furent pas élaborées de concert mais chacune à leur tour, les tableaux étant transportés d’un atelier à l’autre. Comme le note Clemente dans une interview dans le catalogue « Pour ce qui concerne les modalités de la collaboration, je ne me souviens pas qui a suggéré l’idée que chacun commence un tableau et le fasse circuler d’un atelier à l’autre. C’est peut-être moi, sans doute parce que j’étais le plus timide et le plus hésitant de nous trois, et que je pouvais plus facilement travailler calmement dans un cadre très privé. »

comme dans Number 5 (1984) dans lequel il se « mesure » seul à Basquiat. Leur grande dissemblance se situe dans leur différence d’âge, de génération, tout autant que dans leur milieu de naissance et de formation. Warhol, après des études d’art, commence sa carrière dans la publicité et épouse la société de consommation dont il utilise – en en faisant nullement le procès – ses signes, ses accroches, sa signalétique, ses « personnages » et tout ce qui peu lui servir. Basquiat lui, enfant urbain, né il est vrai dans une famille de moyenne bourgeoisie – son père est expert comptable et sa mère adorait l’art et emmenait ses enfants dans les musées – une famille dont pourtant, il se détache à 18 ans après des études avortées. Il fait alors ses humanités dans la rue, les squats, la musique issue de la communauté afro-Américaine, donne à voir dans son art les préoccupations de du milieu qu’il fréquente. Naturellement les soirées « people » du Studio 54 et les excès de la Factory chers à Warhol ne peuvent donner une même approche artistique, que les squats downtown, les boites de jazz et de rap, la recherche d’un existence avec du sens qui est alors le quotidien de Basquiat.
Si, à son habitude, Warhol intervient en apposant sur la toile toute sa grammaire habituelle : légumes, fruits, logos (Paramount, Pontiac, Del Monte ou General Electric), silhouettes d’objets voire des publicités et autre Felix the Cat en ses habituelles propositions sérielles, il semble le faire avec ce que l’on pourrait qualifier d’une certaine désinvolture avec les mêmes sujets que l’on retrouve sur plusieurs œuvres.
Basquiat, quant à lui, trace sa voie, avec détermination. Ses interventions, très rarement en rapport avec celles de Warhol, sont avant tout des proclamations, des dénonciations, des écrits aussi sibyllins que symboliques à déchiffrer, imposant ses points de vue dans lesquels très souvent la défense de sa communauté est mise en avant : visages, silhouettes, portraits scarifiés, et même masques africains. Ces derniers sûrement en référence à l’exposition très remarquée au MoMA « Primitivism in 20th Century Art : Affinity of the Tribal and the Modern ». Il y a d’évidence, dans l’apport de Basquiat, tout un déchiffrement à effectuer sur lequel le catalogue (Éd. Gallimard / FLV) apporte une contribution bienvenue autant que nécessaire.

Une dernière séance…

Cette exposition chez Tony Shafrazi, en septembre 1985, sonnera la fin de leur travail à 4 mains. Une exposition qui, étonnement ne fut pas appréciée alors, tant sur le plan artistique comme commercial ! Cet accueil plus que mitigé poussa Basquiat, qui en attendait beaucoup, à cesser cette collaboration, ce qui ne les empêcha pas de continuer à se voir comme le précise Bischofberger : « Ils ne cessaient de s’appeler et d’aller manger ensemble. Warhol a continué de mentionner Basquiat dans ses journaux. Il n’y eut donc aucune animosité, aucune jalousie, aucun sentiment négatif d’aucune sorte. ».
Keith Haring dira à propos de ces peintures à quatre mains « [qu’]elles sont véritablement une invention de ce que William S. Burroughs a appelé The Third Mind (le troisième esprit), c’est-à-dire la fusion de deux esprits extraordinaires qui en créent ainsi un troisième, unique et totalement distinct. » Reste ce moment unique entre un artiste installé et un autre en pleine ascension, comme un passage de témoin de notoriété à une époque où celle-ci faisait (et fait encore) l’alpha et l’oméga de nos sociétés. Basquiat en « profitera » surtout de façon posthume, il survivra que d’une année à son aîné. Depuis, ils sont, tous deux, sur un pied d’égalité.