CORPS À CORPS. Histoire(s) de la photographie

Délaissant la facilité de la simple chronologie ou des apparentements qui transformeraient le parcours en un jeu de recherche des ressemblances, les commissaires ont opté pour des sections thématiques qui, si elles suivent des grands courants sociétaux – donc en partie chronologique – font parfaitement le tour d’horizon de la représentation du corps dans la photographie, et dit beaucoup du rapport photographe / photographié, vu à l’aune d’un rapport contextuel qui dépasse le simple fait de tirer le portrait d’un individu. Mais la volonté affichée ici est de replacer ces images dans un contexte plus large.  Sans réelle recherche plastique – toutefois, cette dimension est aussi présente chez certains photographes – les photographes convoqués ici ont ainsi œuvré dans les dimensions sociales, sociologiques, sociétales voire politiques du corps humain.

Un language universel

L’intérêt premier étant de voir, ce qui pourrait passer pour une évidence, que la photographie est comme d’autres médias (littérature ou journalisme) à l’écoute de son temps, de ses bouleversements, de ses changements avec, toutefois, ce qui pourrait être considérés comme un atout majeur sa frontalité, son message délivré sans détour et facilement avalisé avec quelquefois les besoins d’une ou deux lignes de légende. Un média compréhensible par tous au-delà de la barrière de la langue, et interprété par les spectateurs en fonction de leur origine, classe sociale, leur culture, voire leur religion ou philosophie.
Reste toutefois que l’interprétation de l’image se heurte naturellement à la condition, la pensée, le contexte politique comme social du spectateur. On ne regarde pas la photo d’une Iranienne « dévoilée » que l’on soit ici ou ailleurs, de la même façon. C’est ce qui fait toute la force de ces images dont, aussi, leur « lecture » peut se modifier, évoluer, selon le temps. C’est donc une banalité de dire que la photographie est un langage universel et c’est cette universalité qui ressort plus que jamais de cette exposition.

Au commencement était le portrait…

En sept chapitres, l’exposition tente – et réussit – de faire le tour des problématiques du XXe siècle. D’entrée, on nous plonge dans les prémices du portrait tel qu’on l’appréhendait au début du XXe siècle. Des visages anonymes, hors contexte et sujet, cadrés au plus près où seule la lumière participe à l’impression voulue comme ce magnifique portrait de Nush Éluard par Dora Maar qui joue sur le contraste, la moitié du visage dans l’ombre et l’autre éclairé, comme pour nimber la compagne du poète d’un halo de mystère. Le portrait lui, va trouver avec les cabines de photo-matons, qui apparaissent dans les années vingt, des utilisateurs inattendus chez les surréalistes qui

Une pratique ouvrant la voie à des mouvements comme les « concerned photographers » qui vont,  comme Gordon Parks, se pencher sur la communauté des noirs musulmans (Black Muslims) et autres « street photographers » allant au-devant de certains groupes et de faire sortir de l’ombre des « invisibles », tels les reportages d’Helga Paris sur les travailleurs d’une usine de confection, d’Anders Petersen sur la faune fréquentant le café Lehmitz d’Hambourg, ou l’incontournable Raymond Depardon qui est allé rendre compte des pensionnaires de l’hôpital psychiatrique de San Clemente en Italie, voire Roy de Carava, premier photographe afro-américain à recevoir une bourse Guggenheim en 1952, qui nous convie, dans son mythique ouvrage « The Sweet fly paper of life », à découvrir la vie d’une famille noire dans le Harlem du milieu des années 50.

Le corps en morceaux

Dans une autre section, on vient nous parler du corps mis à mal, disséqué, replié sur lui-même, décomposé en plusieurs images comme pour externaliser cette entité première et compacte. On y perd le regard, et l’individu, son identité comme son entièreté. Bras, jambe, torse, main, le regard se focalise sur le détail et ces « morceaux » révèlent une autre perception de l’humain. Sa force avec ces bras musclés et noués de Jakob Tuggener, la douceur et la tendresse chez W. Eugene Smith avec ce docteur examinant les mains d’un enfant, le non-dit chez Nancy Wilson-Pajic dans ce jeu de mains sur un visage laissant libre cours à la non-interprétation des sentiments qui traversent le modèle ou encore ces jambes gainées de bas raccommodés qui en disent long sur le statut social de sa propriétaire. Cette focalisation sur un détail donne une force nouvelle à l’image du corps.
Si le détail donne à penser sur le sujet, son for intérieur est celui que prennent comme sujet les photographes tentant à nous faire pénétrer dans les pensées, le rêve, les angoisses ou les contemplations qui font que ces personnes existent au-delà de leur simple image. « Effacé, le photographe semble n’être qu’un témoin impassible, extérieur aux instants et aux intériorités qu’il enregistre. ». Laissant au spectateur alors le soin d’interpréter lui-même cette intériorité. Que pense cette jeune femme, photographiée par Valérie Jouve, dans sa cité la tête penchée ? Et que s’est-il passé pour que cette autre coincée dans un coin du cadre semble être en extase … voire en détresse, saisie par Michael Ackerman ? Et celle au regard absent appuyée sur cette porte dans ce magnifique cliché de Christophe Bourguedieu ? C’est donc à notre tour, à notre propre histoire, de recomposer une possibilité pour chacune d’elle. Cette complicité tant mémorielle que sentimentale donne à ces clichés des unicités de perception.