LA PHOTOGRAPHIE A 200 ANS

En cette année de commémoration du bicentenaire de l’invention de la photographie, notre pays, qui s’enorgueillit de l’invention de Niépce et Daguerre, ne pouvait passer à côté de cet événement. De nombreux lieux se sont mis au diapason pour proposer une kyrielle d’expositions de plus ou moins d’importance. Nous en avons sélectionné sept qui semblent couvrir une partie majeure de son domaine des possibles. De la mode avec Rafael Pavarotti, photographe contemporain, au musée des Arts Déco, ou le grand Irving Penn qui affiche sa carrière à la MEP. On retrouvera aussi Irving Penn dans l’exposition fleuve de la collection Pinault à la Bourse de Commerce.
Un regard sur l’ailleurs avec ce panorama de la peu vue photographie japonaise à la BNF tandis qu’au Jeu de Paume on nous convie de l’autre côté de l’Atlantique dans les pas de Stan Douglas, un photographe qui développe des pratiques multimédias sur la relation entre le temps qui passe et la vision multiple d’un événement.
La photo d’actualité se retrouvera au fil de trois expositions. L’une, au musée de la Libération est consacrée à Robert Capa, le pionnier de la photo reportage avec, entre autres, ses images du deuxième conflit mondial. Et enfin, à la Fondation Cartier-Bresson Susan, on ira au-devant des images de la révolution sandiniste au Nicaragua avec Susan Meiselas, et au même endroit, nous attend un accrochage de clichés de Martine Franck et son regard sur les luttes féministes.

RAFAEL PAVAROTTI PHOTOGRAPHE

On pouvait croire que depuis les Maywald, Beaton, Penn et autre Newton, la photographie de mode était un peu sclérosée quand arriva la seconde génération celle des Hiro et Goude qui imprimèrent leur griffe sur la fin du siècle dernier. Le brésilien Rafael Pavarotti, dont le musée des Arts Déco nous propose un accrochage étincelant, renouvelle le genre avec des images qui cassent les codes. Des images comme électrisées, colorées à outrance, féministes, que l’on a pu retrouver sur les couvertures et de nombreuses pages intérieures des plus grands magazines de la fashion sphère. « La couleur a toujours été plus que de simples pigments pour moi. Elle est un ancêtre, un rythme, un esprit, une mémoire. », dit-il.

Ses images puissantes, il semble les puiser dans sa culture afro-brésilienne et caraibéenne lui qui est né au Brésil à Belém en 1993. Trajectoire d’un gamin du cœur de l’Amazonie qui, dès l’âge de 12 ans, armé de l’appareil paternel, photographie son entourage. Le déclencheur de ce qui va devenir sa vie : il est ébloui, en 2004, lorsqu’il découvre en vidéo le défilé de John Galliano pour Christian Dior sur le thème de l’Égypte ancienne.
Il ne lui en faut pas plus pour vouloir devenir photographe de mode. De son milieu et sa famille, il a dans ses yeux les femmes hardies, les objets colorés, l’artisanat et les paysages amazoniens, le tout constituant son bagage émotionnel, visuel, chromatique et graphique et qui nourrira dès lors son travail. De ses premiers portraits pour Double Magazine jusqu’à ses collaborations actuelles avec toutes les grandes maisons de mode et de prestigieux magazines, il est devenu l’un des photographes dont la mode raffole. En chahutant ce milieu, Rafael Pavarotti est le jalon contemporain de cet art et le successeur des prestigieux photographes qui l’ont précédé.

Musée des Arts décoratifs, 107 rue de Rivoli 75001 Paris. Site de l’exposition : ici

PENN & FASHION

Irving Penn ! Sûrement l’un des plus grands photographes de mode, aux côtés d’Avedon, de la seconde moitié du XXe siècle. En plus de la mode – cette facette de son art présentée ici – on lui doit aussi de nombreuses natures mortes, et il fut également un immense portraitiste. Tout le gotha des arts et des lettres posa devant son objectif mais aussi de « petites gens » comme dans sa série sur les petits métiers, cette version moderne du travail d’August Sanders. Ses ouvrages, Passages, Flowers, Natures mortes ou Worlds in a small room (il « trimballera » un studio de campagne de par le monde pour photographier des autochtones), sont les indispensables jalons de sa carrière, ouvrages à posséder impérativement si l’on s’intéresse un tant soit peu à cette facette de la photographie.

Né en 1917 dans le New Jersey (mort en 2009 à New York), il commence sa vie comme dessinateur pour Harper’s Bazaar et en devient le directeur artistique en 1938 ; il passe ensuite chez Vogue, toujours comme directeur artistique, et publie sa première photo en 1943. Une nature morte qui fait la couverture du prestigieux magazine. Dès lors, il sera photographe. En 1949, après la Seconde Guerre mondiale, il est envoyé à Paris pour « couvrir » les défilés de haute couture. Délaissant les « catwalks » encombrés de photographes, il préfère le studio qui sera et restera l’un des marqueurs de son travail, de son art et ne sortira jamais dans la rue comme Avedon qui en fera, lui, sa marque de fabrique. Pygmalion, Penn va trouver sa Galatée en la personne du mannequin Lisa Fonsagrives (qui deviendra sa femme) et s’installe de suite une complicité qui donnera naissance à des clichés d’une incroyable beauté qui paraîtront dans Vogue. Son travail en studio, sa science des éclairages, ses mises en situation tout à la fois simples et sophistiquées dans des mises en scène épurées donnant à ses modèles une place importante, font d’Irving Penn un modèle pour les photographes qui lui ont succédé.

On retrouvera Penn dans ses différentes thématiques, parmi l’exposition fleuve (plus de 700 clichés !) qui se tient actuellement à la Bourse de Commerce. Il fait aussi l’objet d’une exposition de ses portraits à la galerie Thaddée Ropac Marais jusqu’au 30 janvier 2027. Et enfin, une grande rétrospective de son travail s’ouvrira le 21 septembre de l’an prochain au Grand Palais.

Maison Européenne de la Photographie, 5-7, rue de Fourcy 75004 Paris.  Site de l’exposition : ici

PHOTOGRAPHIES JAPONAISES

Avec sa collection 4 000 tirages dus à quelques 200 photographes japonais, la Bibliothèque nationale de France à toute la légitimité pour nous offrir un accrochage de quelques 250 tirages et la présentation d’une cinquantaine d’ouvrages dont on sait la vitalité de l’édition photographique nippone. Une exposition d’autant bienvenue tant la photographie japonaise, à part quelques noms très connus comme Moriyama, Sugimoto, Ueda, Hamaya ou Araki, reste assez méconnue chez nous. Des photographes dont la démarche et le style est donc, ici, à découvrir.
Comme toute photographie de par le monde, les sujets traités par les photographes japonais sont ceux que l’on retrouve sous toutes les latitudes, une photographie qui donne à voir une réalité au travers de reportages traitant du monde rural comme urbain, des traditions, de la vie quotidienne, du corps sans laisser dans l’ombre cette société marquée par les traumatismes de l’Histoire, mais aussi les tensions entre société et individu et une culture ancestrale et l’aspiration à la modernité. Une photographie avec, comme éléments directeurs, une grande simplicité, un travail sur les compositions, le tout nous offrant le panorama d’une société et de traditions très différentes de celles occidentales.
En six sections, la présentation fait un tour des différentes thématiques de la photo de reportage et son réalisme occupent une place prépondérante dans la production d’après-guerre aux photographes qui œuvrent dans l’impalpable, les sensations en une approche de la nature sous le prisme du bouddhisme. Les autres sections se partagent une vision des corps et ses recherches et autres expérimentations, une autre sur le regard sur Paris des photographes qui se font alors touristes ou d’autres ayant élus domicile sur le bord de la Seine. Et enfin, la calligraphie n’est pas oubliée, un genre qui dépasse le simple élément de communication pour devenir en lui-même le sujet de clichés.

Bibliothèque Nationale de France site Mitterrand, quai François Mauriac 75013 Paris. Site de l’exposition : ici

STAN DOUGLAS PARALLAX

En photographe de la fin du XXe siècle (il est né en 1960), l’américain Stan Douglas s’écarte un peu de la photographie dans son sens strict. C’est une plongée dans son œuvre que nous propose le Jeu de Paume avec pour titre « parallax » qui donne à considérer d’autres points de vue, des pas de côté, des déplacements mettant en cause les visions linéaires et déterministes de l’histoire pour démontrer que les récits sont en perpétuelle construction et sans interruption. Soulignant la relation entre les œuvres et les moments historiques qu’elles évoquent, notant l’évolution de cette relation dans le temps.
Dans son viseur, une reconstitution de rassemblements à Vancouver au siècle dernier ; des émeutes éclatent dans le quartier de Gastown à Vancouver en réponse à la riposte agressive de la police face à un regroupement de hippies, une vision de l’Amérique du Nord dans l’après-guerre inspirée par les clichés de Weegee, des scènes criminelles ou encore, s’inspirant de l’ouvrage publié en 1907, The Secret Agent de Joseph Conrad mettant en scène un groupuscule anarchiste et un agent double dans les ruelles de Londres à l’ère victorienne. Mais aussi de nombreuses autres réflexions et mises en abîme sur les « printemps arabes », les débuts de la scène disco underground new yorkaise, le Presidio Modelo, ancienne prison construite entre 1926 et 1931, sous le régime dictatorial du président Gerardo Machado. Un melting pot quelquefois un peu ardu à suivre.
L’exposition présente aussi, pour la première fois en France, l’une des dernières œuvres de Stan Douglas, Birth of a Nation (2025). En recomposant le film raciste de D.W. Griffith datant de 1915, Douglas ouvre une brèche dans le récit des vainqueurs pour redonner une voix à ceux qui en avaient été exclus ou effacés. Une fois encore, c’est l’histoire qui aurait pu s’écrire autrement, et le regard porté d’un autre endroit, révèle ce qu’une perspective unique ne pourra jamais voir. Un regard éclectique sur le « dessous des images ».

Musée du Jeu de Paume. 1, Place de la Concorde . Jardin des Tuileries 75008 Paris. Site de l’exposition : ici

REMEMBER ME

On peut être un peu dubitatif devant cet océan d’images déversé à la Bourse de Commerce, un tsunami fort de 700 photos (!) issues de la collection de François Pinault, une collection qui n’a d’équivalent que sa collection d’art moderne et contemporain. Dubitatif, car, après une saisissante entrée en matière dans cette rotonde laissé aux mains de Barbara Kruger et ses oukases, dont son « remember me » qui orne les affiches, on est projeté dans un univers de clichés qui arrive, salle après salle, comme le ressac d’une gigantesque vague. Éclectique sans vraiment de fil conducteur, il y a là, sur les murs – et même assez haut presque en dehors de la vue – une sorte de répertoire des grands – et moins grands – noms de la photographie. On regarde, on déambule, on saute de la mode aux portraits, au paysage sans autre repères ou explications pour nous défricher tout cela, et l’ensemble classé dans des sections aléatoires.

Des anciens aux modernes

Cette foison due à pas moins de 80 photographes, résume en fait ces deux siècles d’histoire. On saute de photographes des plus connus à d’autres plus confidentiels, et chronologiquement, on va des débuts du média avec les marines de Gustave Le Gray ou les expérimentations électrique du neurologue Duchenne de Boulogne à quelques contemporains comme l’incontournable Wolfgang Tilmans, Zanele Muholi ou Tyler Mitchell. Comme toujours, dans ce genre d’exercice on trouvera des grincheux qui noteront l’oubli de leur(s) artiste(s) d’élection mais l’exhaustivité ne semble pas être le but. Mais reconnaissons que le choix couvre largement (presque) tous les thèmes et les genres. Toutefois, la photographie africaine comme asiatique (hormis le Japon) est sous représentée…

Irving Penn en majesté !

Coté chefs-d’œuvre, on est servi avec une grande représentation d’Irving Penn qui, décidément est à l’honneur cette année, puisque près de 450 (!) de ses œuvres couvrent les murs en une présentation qui ne le sert pas vraiment. On retrouve dans la même veine des portraits iconiques dus à Annie Leibovitz, les « Big nudes » de Newton et quelques Avedon de la plus belle eau. Voire aussi cette expédition d’un Depardon qui est allé voir la France dans le blanc de son objectif. Pêle-mêle, on retrouvera le soldat de la guerre d’Espagne de Capa, les images évanescentes de Julia Margaret Cameron, les métiers vus par August Stieglitz, la Migrant mother de Dorothea Lange, les fausses (mais magnifiques) images chromo de Youssef Nabil, des autoportraits de Cindy Sherman, des tranches de vie de Nan Goldin… etc… etc… etc… Pour fêter le bicentenaire de la photo, on ne pouvait guère faire plus !… Mais peut-être autrement.

Bourse de Commerce. Collection Pïnault. 2 rue de Viarmes, 75001 Paris. Site de l’exposition : ici

ROBERT CAPA PHOTOGRAPHE DE GUERRE

Figure emblématique et mythique du reporter de guerre, Robert Capa – dont un prix à son nom existe depuis 1955 – co-fondateur de la prestigieuse agence Magnum, commença le journalisme, un peu à son corps défendant, en étant photographe dans le Berlin du début des années 30. Hongrois, de son nom Endre Ernő Friedmann naît à Budapest en octobre 1913. Il fréquente les milieux communistes qui lui vaut, après quelques ennuis avec les autorités, de quitter Budapest pour Berlin. Son premier reportage sera un meeting de Trotski à Copenhague. L’arrivée d’Hitler au pouvoir le force à émigrer. D’abord Vienne, puis Paris où avec Cartier Bresson, Kertész, Chim et quelques autres, la photo devient son gagne-pain. S’en suivent quelques reportages sur des sujets hétéroclites. Après sa rencontre avec Gerda Taro, elle aussi photographe, allemande et antifasciste qui devient sa compagne, le couple opte pour de nouvelles identités plus « américaines ».  Ernő Friedmann devient Robert (Bob) Capa. Il entre vraiment « en guerre » en couvrant celle d’Espagne en 1936 et documente les bombardements en s’immergeant au sein des « Brigades internationales ». C’est au cours de ce conflit qu’il prend cette photo symbole de cette guerre fratricide : La mort d’un soldat républicain. Une photo qui souleva, plus tard, une polémique quant à sa véracité. Avec ce reportage publié dans un grand magazine londonien, son nom devient synonyme de photoreporter.

Sur tous les fronts

Dès lors on le retrouvera sur tous les conflits d’importance : guerre sino-japonaise, Seconde Guerre mondiale et son front en Afrique du nord, les débarquements en Sicile puis en Normandie, la Libération de Paris. Il suivra les troupes américaines et, à leur côté, ira jusqu’en Allemagne. En 1948, on le voit assister à la naissance d’Israël et terminera au Vietnam où une mine antipersonnel stoppera et sa carrière et sa vie le 25 mai 1954. Comme pour Gilles Caron, la mort la plus symbolique qui soit pour des reporters de guerre…
Capa a influencé une grande partie des photoreporters de guerre qui lui ont succédé avec sa pratique au plus près des combats, son immersion avec le corps des troupes au point de faire partie des corps expéditionnaires. Ses photos symbole du débarquement, prises « les pieds dans l’eau », et ces autres à peine cadrées et floues rendent parfaitement compte de l’état dans lequel était les soldats débarquant.
L’exposition, montée en collaboration avec l’agence Magnum, est forte d’une soixantaine de tirages « vintage » et accompagnée de magazines, ouvrages, documents et objets personnels du photographe. La présentation suit Capa dans tous les conflits desquels il a rapporté des photos, témoignages au plus près, de ces événements majeurs du siècle dernier.

Musée de la Libération de Paris . 4 avenue du Colonel Henri Rol-Tanguy (Place Denfert-Rochereau) 75014 Paris. Site de l’exposition : ici

RSUSAN MEISELAS & MARTINE FRANCK

La fondation Cartier-Bresson met à l’honneur deux grandes dames de la photo qui ont œuvré chacune dans des domaines différents. L’américaine Susan Meiselas est présentée ici dans sa couverture de l’insurrection du mouvement sandiniste au Nicaragua, contre la dictature soutenue par les États-Unis. Quant à Martine Franck (un peu ici chez elle qui fut la compagne de Cartier Bresson) le sujet choisi est l’émergence des mouvements féministes à l’aube des années 70, avec, en France, le Mouvement de Libération des Femmes (MLF) et son pendant américain les Women’s March for Equality de New York.

SUSAN MEISELAS, D’ABORD… STRIPTEAUSEUSE !

L’insurrection sandiniste au Nicaragua entre juin 1978 et juillet de l’année d’après, vit Susan Meiselas (née en 1948), alors âgée d’à peine 30 ans partir seule et sans parler l’espagnol dans cette révolution de libération face à Anastasio Somoza dont la famille régnait d’une main de fer et pendant plus de 40 ans, sur cette petite république d’Amérique centrale. La révolution sandiniste y mit fin. Susan Meiselas n’en était pas à son coup d’essai. Après un master of Arts à Harvard, elle enseigne, pour vivre, la photo dans des écoles publiques. Ne voyant qu’aucune agence ne veut publier ses photos, elle décide de devenir… stripteaseuse afin de documenter la vie de ces femmes qui se produisent dans des foires. Cette immersion donnera la publication remarquée d’un ouvrage Carnival Strippers, (Strip-tease forain) en 1976. Elle entre dans l’agence Magnum et entame des reportages en Amérique du sud mais aussi dans de nombreux autres pays.

Son travail au Nicaragua, qui fait, ici, l’objet de cet accrochage, la voit au plus près des révolutionnaires, marchant dans la jungle, sur les barricades, au sein des villages ou face à l’armée. Son reportage est l’un de ceux qui se résument en une image. Comme « La mort d’un soldat républicain » de Capa, ou ce « Drapeau sur Iwo Jima » de Joe Rosenthal, Meiselas réalise une image qui symbolise cette insurrection et, au-delà toutes celles des combattants pour leur liberté : un révolutionnaire, fusil en main, lançant un cocktail Molotov. Cette image, reprise souvent depuis a fait l’objet de posters, fresques, timbres et aussi de détournements jusqu’à Bansky remplaçant le cocktail molotov par un bouquet de fleurs.

Fondation Henri Cartier-Bresson. 79, rue des Archives 75003 Paris. Site des expositions : ici

MARTINE FRANCK, LA CAUSE FÉMINISTE

Martine Franck (1938-2012) elle, s’est attelée à documenter les luttes féministes à une époque où la représentation des femmes se limitait généralement à une seule représentation corporelle, détournant leurs revendications. L’époque est à l’émergence des combats féministes, une presse s’empare du sujet qui voit le jour dans la foulée de cette libération des deux côtés de l’Atlantique.

Cette exposition présente des photographies pour la plupart inédites, qui soulignent la dimension collective d’une culture visuelle féministe des années 1970. Celle-ci se manifeste à travers la représentation des mobilisations, mais aussi par l’essor de la presse féministe, devenue laboratoire des luttes. Les périodiques constituent également un support privilégié de diffusion des images. À partir des années 1980, le féminisme s’institutionnalise et Martine Franck réalise les séries « Des femmes et la création » puis « Des métiers et des femmes » dans le cadre de commandes publiques. Son rapport au féminisme s’individualise progressivement mais demeure déterminant dans son œuvre. L’exposition réunit des tirages pour certains jamais montrés ni publiés en dehors de la presse féministe des années 1970.

Fondation Henri Cartier-Bresson. 79, rue des Archives 75003 Paris. Site des expositions : ici