GEORGIA O’KEEFFE

Autant mythique que mystique, véritable icône dans son pays, l‘artiste américaine Georgia O’Keeffe (1887-1986) est pourtant très peu connue chez nous. Pour preuve si besoin était de constater l’imperméabilité de certains artistes reconnus, voire adulés dans leur pays et quasiment inconnus ailleurs, on pourrait citer Patrick Heron en Grande Bretagne ou Richard Dienbenkorn aux États-Unis, star dans leur pays et méconnus chez nous comme bon nombre d’autres. C’est donc, dans une moindre mesure, le cas de l’artiste Georgia O’Keffe et pour réparer cet injuste et incompréhensible oubli, le Centre Pompidou nous propose la première rétrospective de son travail ici en un parcours complet de plus d’une centaine d’œuvres comprenant des peintures et dessins, associés à des photos et des documents, preuves d’un parcours et d’un engagement dans l’art de son temps.
Mais réduire Georgia O’Keeffe à son seul travail serait éclipser la femme qu’elle fut. Une femme libre, décidée, féministe, amoureuse qui mena sa vie et sa barque comme elle l’entendait avec détermination, s’émancipant des préjugés de son temps. Une icône avec deux repères qui charpentèrent son existence : Alfred Stieglitz (1864-1946), photographe et militant des avant-gardes dans son pays et le Nouveau-Mexique et sa maison Ghost Ranch isolée en plein désert, où elle s’installe en 1929, et d’où sortiront ses œuvres les plus emblématiques.

cursus à New York à l’Art Students League qui lui donne de solides bases tant artistiques que techniques. Mais, « pourquoi continuer à peindre comme on m’avait appris, je ne ferai jamais mieux que ce que je voyais. Ces enseignements ne m’avaient pas appris à développer mon art propre » confiait-elle dans un documentaire.
C’est en janvier 1908 qu’elle franchit, en curieuse, la porte de la galerie 291 de Stieglitz, ignorant à ce moment combien cette initiative va bouleverser son existence. Elle y était venue pour découvrir les dessins de Rodin et trouve que ces dessins sont des « gribouillages » (!) dans tous les cas loin de ce que l’on lui avait appris. Puis, elle y retourne pour voir les dessins de Matisse. Pendant les deux années suivantes de retour chez les siens, elle devient enseignante mais surtout s’évade et commence à peindre sur le motif et s’essaie à l’abstraction avec des dessins en noir et blanc.

Première artiste femme exposée au MoMa dès 1929 !

De retour à New York en 1914 elle s’inscrit à l’université de Columbia et rencontre une certaine Anita Pollitzer avec laquelle, une fois de nouveau repartie pour enseigner en Caroline du Sud, elle continue à correspondre et lui envoie pour avoir son avis, ses dessins. Sans lui dire, Anita Pollitzer les montre pour avis à… Stieglitz ! Ce dernier, enthousiaste, décide de les exposer sans la permission de son auteure ! O’Keeffe furieuse part pour New York et demande que ses dessins soient décrochés ! Ce à quoi Stieglitz lui répond « vous n’avez pas le droit de les soustraire au monde ! ». Cet incident passé, ils apprennent à se connaître et Georgia tombe amoureuse de cet homme qui la fascine, malgré ses presque 50 ans, leurs 23 ans d’écart et que Stieglitz soit de plus, marié à une femme fortunée.

ses premières œuvres, avec une tentation évidente vers l’abstraction raccrochant tout de même celles-ci avec des éléments déchiffrables comme dans ses paysages peints au Texas où elle enseigne entre 1912 et 1914 et dans lesquels elle se joue des plaines, du ciel, du soleil et des espaces infinis dans des aplats colorés à l’image de sa série Evening Star.

Le Nouveau Mexique, son Eldorado

Dans cette communauté d’esprit qu’elle forme avec Stieglitz – qui enfin divorce et se marie avec Georgia en 1924 (il a alors 60 ans et elle 27) – le couple passe les beaux jours dans leur maison du Lake George et le reste du temps à New York. Big Apple devient leur champ exploratoire, chacun dans son média. Mais ce qui va bouleverser son art, elle qui peint des fleurs depuis la fin des années 10, c’est la vision qu’en a Charles Demuth, un peintre qui œuvre dans une vision très structurée du cubisme et qui lui aussi travaille ce sujet un peu bateau.
Georgia comprend que si elle veut se démarquer, elle doit traiter le sujet autrement. Dans une vision très photographique et moderniste du gigantisme urbain, elle va user du « gros plan » et de peindre en vision très rapprochée et sur de grandes toiles, des fleurs. « Je compris que si je peignais des fleurs si petites, personne n’y prêterait attention car j’étais inconnue. Alors, j’eus l’idée de les agrandir comme d’énormes immeubles en construction. » Le succès est au rendez-vous avec son lot de commentaires, suppositions et critiques, certains ne pouvant s’empêcher de trouver dans ces fleurs aux pétales épanouis et pistils turgescents, de l’érotisme, voir même des représentations obsessionnelles de sexes féminins ! Elle s’en défend, concédant toutefois que son art traite « essentiellement de sentiments féminins. »

chants, les danses et réalisera même des tableaux de poupées katchinas (présentés en fin de l’exposition). Enfin, en 1929, après avoir longtemps cherché un lieu à elle le Nouveau Mexique est une révélation. Elle écrit au critique Henry McBride : « Finalement je me sens à ma place, je me retrouve enfin. ».
Loin de l’agitation de New York, elle va découvrir là, au Nouveau Mexique un havre de paix, une Arcadie qui va bouleverser autant son être que son art. Elle acquiert dans le désert une maison isolée, bien nommée Ghost Ranch qui va devenir sa base de vie, et la nature austère, brûlée, colorée qui l’entoure va devenir un inépuisable champ exploratoire à l’image du jardin de Giverny pour Monet.

Le désert comme principal sujet

Dès lors, elle n’a de cesse d’explorer les alentours, à pied, en voiture de cette grande étendue, domaine des indiens navajo, du soleil, des monts ocres et de rares plantes faméliques. Elle travaille sur le motif, passe des nuits sous une tente sommaire et s’installe face à ce décor qui la fascine et dont elle tire des toiles qui reflètent parfaitement le grandiose comme l’atmosphère si particulière de ce territoire américain à nul autre pareil. Elle aime aussi à ramener de ces « explorations » des os de bovidés et autres, blanchis par le soleil, et qui se transforment sur la toile en des motifs sculpturaux presque surréalistes. « Les ossements sont mes symboles du désert ils semblent tailler au cœur de ce que le désert a de profondément vivant, même s’il est vaste, vide et intouchable… » écrit-elle en préface d’un catalogue d’une exposition à New York en 1939.
Sa peinture va de plus en plus à l’essentiel, la tentation de l’abstraction se fait sentir dans les œuvres de la fin. « Je veux réduire chaque chose à son principe essentiel, en polissant les surfaces jusqu’à ce qu’elles aient une élégance strictement hygiénique » confie-t-elle à Art News en 1950. Cette simplification trouve son acmé avec cette autre maison, située dans le petit village d’Abiquiú, et qu’elle achète en 1945. Elle avoue qu’une porte et qu’une architecture des plus simples furent les déclencheurs de son achat. Elle la restaurera et cette petite hacienda, lieu hétérotopique, devient son deuxième atelier et sera aussi le motif d’une série d’œuvres.  Dans les années 50, elle peindra obsessionnellement cette « porte » et le patio de sa nouvelle maison, « une boite carrée avec le ciel au-dessus et le sol en dessous », des œuvres qui ne cachent plus leur abstraction affichée, comme sonnant la fin du parcours, l’aboutissement d’une quête, la quintessence des choses en une « nudité essentielle ».

Peintre américaine dans le sens le plus complet de l’adjectif. Américaine, elle l’est jusqu’à la façon dont elle aura toujours à cœur de mener seule sa barque. Elle contrôle ses prix, veille à limiter l’offre de ses œuvres sur le marché et fait très attention à qui elle vend. Elle est aussi l’une des artistes les plus profondément américaines avec une œuvre mystique, « chargée d’un esprit d’universalité » déclare Edward Jewell dans le New York Times en 1946, qui ne doit rien à l’art venu d’outre-Atlantique. Constantin Brancusi, enthousiaste, le constate dès 1926, au sortir de l’exposition d’œuvres récentes de la peintre à la Galerie 291 : « Il n’y a ici aucune imitation de l’Europe ; c’est une force, une force libre émancipatrice ! »